Angela Weingärtner Becker

Gregos, nossos ancestrais culturais

foto: by Alexey Krasin

A mitologia é apaixonante, instrutiva, poética. Era uma forma de explicação do mundo, dos homens, dos fenômenos nos tempos primordiais.

A missão mais importante dos heróis era garantir a ordem do cosmos. E era assim que eles ganhavam uma espécie de perenidade. A pior coisa que poderia acontecer ao homem, era o esquecimento. Este se assemelhava à morte. Se conseguir se tornar objeto de lenda ou mito, o ser humano escapa da morte. Será recordado, talvez, para sempre.

Lembremos que o Hades é a personificação de um lugar onde ninguém tem rosto nem memória, nem nome. Os mortos perambulam sem direção, sem identidade. Este é o “inferno”. A todo o custo era preciso escapar do Esquecimento. Daí termos os heróis Aquiles, Ulisses, Perseu e outros que, por inteligência, coragem e astúcia obtém a glória e assim ficam livres do Hades.

Não é para menos que viviam guerreando. Na guerra há oportunidades de heroísmo e conhecimentos. A guerra também se constituía no melhor dos esportes.

A Grécia, naquela época não ocupava área geográfica definida. E nem era centralizada politicamente. Havia cidades-estado (polis) mas seus habitantes tinham plena consciência de serem da mesma raça, língua e cultura.

O século V a.C. é o século clássico por excelência, é a Idade de Péricles. O Parthenon foi aí construído em marfim e ouro por Fídias. E é hoje ainda um dos pontos altos da arquitetura de todos os tempos. Neste século V, todos os intelectuais vão para Atenas que se torna esplendorosa.

foto by Labrakos

Por que os gregos chegaram a este estado de sabedoria em ciência, artes, política e filosofia? Certamente porque não viviam sob uma classe detentora do conhecimento. Lá o poder era dessacralizado. Havia sacerdotes, mas estes eram gente do povo e não tinham conhecimento esotérico. Viviam um tempo como sacerdotes e depois voltavam à vida de cidadão comum. Eles nunca estiveram à mercê do sobrenatural. Pensavam por si mesmos. Os mitos gregos não são escrituras sagradas. Não são criados por guias espirituais, não são artigos de fé. Não são dogmas. Seus deuses dormiam com mulheres comuns, tinham defeitos e qualidades humanas. Eram deuses antropomórficos. Seus pecados, se assim se pode dizer, não eram individuais, eram sim contra a ordem do cosmos, por isso considerados tão graves pois feriam a harmonia de tudo e todos.

Do mito vão passar ao “logos” que é razão, investigação. Tudo é explicado primeiro pelo mito e depois pela razão. O saber não lhes é dado por “revelação” onde o sacerdote, depois, irá usar da forma que melhor lhe interessar.

Além da Democracia, Ciência e Filosofia, os gregos se destacaram também nas Artes. O seu caminho será o do naturalismo, que é imitação da aparência visível das coisas. E o maior tema da Arte grega será a Mitologia.

Até o século XIX, teremos a influência da arte grega em nosso mundo ocidental.Eles são nossos ancestrais culturais.

Em 1600-1200 a.C. vai aparecer a Ilíada e a Odisséia supostamente escrita por Homero. Muitas invasões e uma catástrofe (que ninguém sabe bem o que foi) aconteceu e destruiu a civilização. Existem tábuas de cerâmicas daquela época que ainda não foram decifradas.

Em 1876 o arqueólogo alemão Heinrich Schliemann escavou o sítio arqueológico do Hissarlik, revelando 7 cidades superpostas, construídas em sucessão uma à outra. Uma das cidades descobertas foi Tróia VII (identificada com a Troia homérica). Assim fica provado que realmente Homero tem fundo histórico e não apenas lendário como se poderia pensar.

teatro Grego Epidauros

Em 1200 a. C. Perde-se a escrita e com ela a cultura. Volta-se à vida pastoral.Há um vácuo cultural-espécie de idade média da Grécia.O motivo ainda é obscuro. Guerras? Catástrofe natural? Invasão dórica? Esta última hipótese é o que a Grécia aceita como verdade.

Só no século VIII a cultura é recuperada.

Espanto-me toda a vez que lembro de Epidauros, quando a guia grega, toda vestida de preto, levava algumas pessoas ao teatro, localizado a uns 100 km de Atenas. Pediu que subíssemos ao último degrau do teatro. Do alto víamos uma formiguinha, ela, lá em baixo, no centro da arena. A grega amassava um papel de bala. Ea gente, lá em cima, ouvia o barulho como se ela estivesse bem ao nosso lado. A acústica perfeita do teatro, local escolhido a dedo entre montanhas e ventos, trazia o som aos nossos ouvidos, com uma nitidez inacreditável. A ciência daqueles gregos de antes de Cristo fazia milagres.

Angela Weingärtner Becker

Ulisses- nostálgico e sedutor

Ulisses e as sereias (Herbert Draper)

Na Odisséia, como sabemos, Homero narra a história do herói da guerra de Tróia, Ulisses, voltando para casa onde deixou seu pai, sua mulher Penélope, e seu filho Telêmaco. A terra é Ítaca, onde ele é rei.

Ulisses é um homem, não um deus, sequer é um semi-deus. Durante sua volta ele enfrenta obstáculos quase intransponíveis como sereias, feiticeiras, monstros, tempestades, ventos, furacões. Vai até o inferno (Hades) onde reina o esquecimento. Enfrenta desordens externas e internas. É ludibriado, recebe a promessa de se tornar imortal e jovem para sempre, pela deusa Calypso. Ulisses tem de ser bravo e persistente senão corre o risco de não mais querer voltar para casa. Deve lutar contra o sono e a tentação do esquecimento, a tentação do “mais fácil”. Deve estar sempre consciente de “quem ele é e do que realmente quer”. Sua luta é contra a hybris, a desordem cósmica (contrário de oikós harmonia). Zeus muito trabalhou para colocar o cosmos em ordem e Ulisses sofre tentações de toda a espécie para cair em desarmonia contra este cosmos. Todos os seus companheiros sucumbem, Ulisses é o único sobrevivente.

O alcance filosófico da personagem Ulisses está, conforme diz Luc Ferry em seu livro “A sabedoria dos mitos gregos”, em entender que o homem, para ser feliz, precisa estar em sua casa.

Ulisses sente nostalgia que é o doloroso desejo de voltar para casa. É “uma vontade intensa, mas sempre contrariada, de voltar a seu ponto de partida, ao país, ao lugar onde nasceu”. E, como os românticos alemães muito bem definiram, é o bei sich selbst (seu lugar interior) ou então Heimweh (seu lugar geográfico). É o que sentimos quando estamos fora de nossa “Ítaca” pessoal. Luc Ferry diz que nos movemos para o nosso lugar natural de onde fomos deslocados. Isto é a ordem cósmica buscada por Ulisses e, enfim, por todos nós. Esta harmonia é melhor do que a imortalidade, oferecida por Calypso. A condição de mortal é harmônica com o homem, ao contrário da imortalidade artificial que o despersonalizaria tornando-o estranho aos companheiros e até de si mesmo.

Ulisses precisa ser o que ele realmente é. Precisa voltar à sua Ítaca, ser um mortal ser aquilo que a qualquer preço e sacrifício vai levá-lo ao seu ponto de partida. Esta é a forma que a mitologia vai legar à filosofia: uma “espiritualidade leiga”, como diz Luc Ferry, e que Ulisses é o primeiro a encarnar. O pecado da hybris, ao contrário do que muitas religiões concebem, não é pessoal e sim de dimensão cósmica.

E, diga-se, Ulisses apresenta-se justamente por isso, com muito charme. Ele é astuto, sábio, corajoso. É um homem "de verdade" que, com toda a experiência e conhecimento adquiridos nas provações da viagem, será um homem que mulher alguma vai resistir. É sedutor, não por atributos físicos, mas por sua determinação e sabedoria. Ele é inventivo, tem coisas para contar, é um homem completo, que olhou “n” vezes a cara da morte. Escolheu sua humanidade e repudiou a hybris. Luc Ferry termina esta explicação de homem sedutor dizendo que mulher alguma consegue viver por muito tempo com “um homem mimado”, vazio. Penélope, esta mulher forte e fiel, merece um homem à sua altura, merece Ulisses.

Angela Weingärtner Becker

Vincent Van Gogh (1853-1890)

A cada ano o Museu van Gogh, em Amsterdan, se inunda de 1 milhão e meio de visitantes para ver van Gogh. Ele adquiriu (para muitos e me incluo nisso) uma proporção quase mística. A caminho de uma exposição sua, sentimo-nos em peregrinação.

Jamais esquecerei quando, no Museu D’orsay, vi uma exposição especial sobre ele. Tive de sair da sala, estava aos prantos, precisei me recuperar, pois soluçava. O espaço se tornava sufocadamente claustrofóbico para tanta emoção. A intimidade de seu quarto em Arles, seu médico Dr. Gachet, o carteiro portador das cartas de seu irmão Theo, seu autorretrato de orelha cortada em briga com Gauguin, os girassóis que fez, cheio de planos, para sua nunca realizada comunidade de artistas, o pátio da clínica onde se internava, sua última pintura em traços convulsos (Campo de Trigo com Corvos) tudo isso era ferida exposta para quem quisesse ver. E também a beleza das noites estreladas, das Iris, dos trigais dourados.

Surpreendentemente sua vida de pintor durou muito pouco: 10 anos. Porém de um frenesi absurdo de trabalho:1100 desenhos, quase 900 pinturas, ilustrações, cartas, muitas cartas, onde demonstrava conhecimento profundo das Artes.

Não se sabe muito sobre sua juventude, mas possuía outros quatro irmãos, sendo que Theo terá um papel importante em sua vida.

Nada indicava que ele se destacaria na pintura. Introvertido, excêntrico, conseguiu um emprego aos 16 anos, junto à sucursal que os pintores franceses mantinham em Haia. De lá vai para a mesma loja sediada em Londres e depois em Paris, que era a sede central da Goupil & Co, onde trabalhava seu irmão.

Lá começou a dar sinais de interesse religioso em suas cartas à familiares, fazendo-se pastor protestante, como seu pai. É mandado para uma pequena região mineira belga onde ganhou o apelido de “Cristo da mina de carvão” pois pregava para os pobres e desamparados. É destituído do cargo e cai em crise depresssiva.Tinha 27 anos e se sentia perdido na vida. Theo, que o sustentava economicamente, lhe sugeriu que tentasse ser artista.

Desde sempre fez esboços, mas sentiu-se inseguro. Combinou com Theo, que enviaria seus desenhos periodicamente, em troca de seu sustento. Era preciso mantê-lo interessado em alguma coisa.

Vincent era autodidata e para se tornar um pouco mais profissional, passou uma temporada em Bruxelas. Devora livros de anatomia e perspectiva. Observa seus contemporâneos. Mas o alto custo de vida obrigou-o a voltar ao interior, à casa de seus pais. Os camponeses foram seus modelos. Mas volta para Haia depois de um desentendimento com o pai. Começa a pintar aquarelas e ao final de 1882 inicia a pintura a óleo. Animado pelas histórias contadas pelo artista Rappard, vai ao norte para pintar a vida no campo. Não é aceito pelos camponeses e torna a voltar para a casa dos pais. Nesta ocasião pinta “Os comedores de batatas”. Escreve a Theo: “que uma pintura de camponeses cheire a toucinho, fumo, batata à vapor, muito bem. Parece-me saudável que um estábulo cheire a esterco, pois que um quadro de camponeses não poderia cheirar a perfume”

O pároco do lugar proíbe os camponeses de posarem para van Gogh. Ele volta para Ambere onde faz um curso na Escola de Bellas Artes.

Ao final de 1886 chega- sem avisar!- no pequeno apartamento de Theo, em Paris, que obriga-se a pocurar um lugar maior.

Montmartre abre um novo mundo a van Gogh: Milliet (por quem é apaixonado) Delacroix, Manet, Monet. Encontra-se com Toulouse Lautrec que se encarrega de o apresentar à noite de Paris e o expõe ao álcool, absinto, prostituição.

Faz 27 autorretratos, pois estes não requeriam modelos, a não ser ele próprio.

Em Paris conhece Gauguin com quem vai de muda para Arles, sul da França. Como sua saúde já estava bastante debilitada pelas noites boêmias de Paris, esperava recuperar-se no campo. Melhorou mesmo, e com ele sua pintura virou uma primavera de amarelos fulgurantes, azuis de vitrais, intensos vermelhos. Ele passa a fazer planos: quer fundar uma colônia de artistas. Aluga quatro casas para tal. E pinta muitos vasos com girassóis para decorá-las. Gauguin deveria ser o líder desta comunidade. Os dois trocam técnicas e inspirações. Mas não contavam que seus temperamentos igualmente obsessivos, iriam pegar fogo em violentas brigas. Numa dessas van Gogh corta sua própria orelha esquerda. Gauguin, furioso, se vai para sempre, para suas ilhas tropicais.

Van Gogh sofre todo o tipo de problemas: desde dores de estômago, maus dentes, até graves alucinações, depressão. Interna-se voluntariamente no sanatório de Saint-Rémy. Lá pintaria o pátio, as naturezas mortas, tudo sob observação do sanatório. Neste período algum interesse começava a surgir sobre suas pinturas. Theo conseguiu vender um único quadro “O vinhedo vermelho” que se encontra hoje no Museu Pushkin, de Moscou. Van Gogh estava fora do mercado de Arte. É recluso, estranho, um louco com seu chapéu ridículo onde instalou uma lâmpada para pintar à noite. Mas suas obras não são obras de um doente mental. Ali nosso olho encontra equilíbrio, harmonias internas, disciplina de cores e formas. Mas principalmente uma densidade humana jamais vista. Suas tensões na pintura estão absolutamente controladas. A gestualidade é vigorosa, a carga expressiva é plástica e estável.Suas pinturas possuem luz de vitral.Tem admirável senso geométrico. A proporção se junta à amabilidade das cores.

Em 1990, seguindo os conselhos de Theo e Camille Pissarro, van Gogh vai a Auvers-sur-Oise, perto de Paris. Estava sob os cuidados do Dr. Gachet. Ali produziria muito, praticamente uma obra por dia.

Theo, porém, farto de trabalhar para os outros, decide trabalhar por conta própria. Tiveram de apertar o cinto, economizar. “Minha vida também tem sido afetada desde sua raiz. Eu também não me mantenho mais firme sobre solo” diz numa carta ao irmão.

Van Gogh relata que está em depressão profunda e seus quadros expressam a dor de estar no mundo.

Em 27 de julho, dispara uma pistola em seu peito e agoniza dois dias na presença de Theo, até morrer. Os dois tinham trocado 6 mil páginas de correspondência.Um ano depois, fisicamente desgastado e mentalmente debilitado, falece Theo, vítima de uma sífilis mal tratada.

20 anos depois da morte de Van Gogh os preços de seus quadros disparam.

O nosso museu do MASP, afortunadamente, possui nada mais, nada menos do que 5 obras de Van Gogh, entre eles o famoso "O escolar"

Marcel Duchamp (1887-1968)

Como a maioria dos artistas modernos, Duchamp também parte do cubismo. Tem dois irmãos que são artistas cubistas. Na verdade o cubismo dura muito pouco em sua vida, mais ou menos um ano.Quando faz o “Nu descendo uma escada”-que trata de vários deslocamentos que vão se reduzindo- parece ter sido influenciado pela técnica fotográfica que consiste na obtenção de imagens de um movimento a intervalos regulares. A pintura é recusada no Salão dos Independentes e causa escândalo, tornando-o célebre. É convidado a se retirar do grupo cubista. Seria assim o começo de sua rebelião contra a pintura visual e tátil.

Nu descendo uma Escada

Passa então a se interessar não pela forma, mas pela ideia. “Eu queria fugir do aspecto físico da pintura, fugir da sua fisicalidade, eu queria colocar a pintura, mais uma vez, como coisa da mente”. Leonardo da Vinci concebia a arte como “cosa mentale”.

Duchamp abandonou a pintura propriamente dita quando tinha 25 anos. Mas continuou “pintando” por outros 10 anos, porém numa tentativa de substituir a “pintura-pintura” pela “pintura-idéia”. Desde o começo foi um pintor de ideias. Não a concebia como uma arte puramente manual e visual.

Em 1917, em NY, faz parte do grupo onde qualquer pessoa que pagasse 6 dólares poderia expor o que quisesse.Duchamp fica incomodado com a mercantilização da Arte. Com outros publica a revista de inspiração Dada: “The Blind Man” onde eleva à categoria de Arte, a ESCOLHA do artista.

Roda de Bicicleta

Depois do “Nu descendo uma Escada” Duchamp se encaminha para seus revolucionários “readymade” que são objetos já prontos, porém deslocados de seu ambiente. (ao urinol invertido é dado o nome de “Fonte”. Nela há uma assinatura “R Mutt”, inspirada em Mutt e Jeff, personagens de histórias em quadradinhos. Mas também poderia ser o nome da empresa onde comprou o urinol, a “Mott Works”).Retira o caráter puramente simbólico da Arte.O urinol quebrou e Duchamp colocou outro no lugar.Sem problemas.

A fonte

Este é o tempo da desmaterialização da Arte.O objeto é transmutado para o conceito.O urinol já não é mais um objeto.É arte. Pode fazer a obra à distância. O que vale é a ideia. Então pede à irmã que compre uma pá de recolher neve e que assine por ele. Chama-a de "Antecipação do braço quebrado"

"La Mariée mise à nu par sés celebataires, même”ou “O Grande Vidro” é uma obra feita em duas placas de vidro duplo (2.65m X 1,73m) que começa a ser feita em 1915, é deixada inacabada até 1923, quebra em 1926, é consertada em 1931. Em NY diz que deixou inacabada por tédio de continuá-la depois de 8 anos, mas também deu a entender que não queria acabar com o mistério do enigma: “Na coisa inacabada a obra fica em processo”. Duchamp deitou o vidro por cerca de 3 meses para pegar poeira. Seu tempo se estenderia ao infinito. Ele trabalha junto com o Tempo. O tempo se incorpora à obra.

"La Mariée mise à nu par sés celebataires, même"

Há um livro muito bom, que recomendo com veemência - O Castelo da Pureza, Octávio Paz- que aborda a obra.

Talvez os dois pintores que maior influência exerceram em nosso século sejam Pablo Picasso e Marcel Duchamp. Conforme diz Joseph Kosut “toda a arte (depois de Duchamp) é conceitual, em sua natureza. Porque a arte só existe conceitualmente”.

Duchamp desmistifica a figura do artista. Evidentemente um readymade, objeto industrial comum e seriado, tem no mínimo, sua autoria compartilhada. A observação do espectador que gera o significado da obra -e que não pode ser dimensionada pelo artista- foi “matematizada” por Duchamp. Chama a este resultado de “coeficiente de arte”. Ele se referia ao que ficou latente na obra (aberta) e que nós, espectadores, completamos, cada um à sua maneira. Porção da obra que afinal participamos com o nosso significado.

Ele tem fascínio sobre a linguagem: é o instrumento mais perfeito para produzir significados e, também, para destruí-los. O jogo de palavras é um mecanismo pelo em uma mesma frase exaltamos os poderes de significação da linguagem e onde se pode imediatamente, aboli-los.

Tinha um interesse linguístico constante. L.H.O.O.Q. de 1919 é um título provocante e irônico( Elle a Chaud au coul-ela tem fogo no rabo) dado ao ícone da pintura universal onde ele dessacraliza o sentido histórico da Monalisa. Acrescenta à Gioconda bigodes e barbicha. Duchamp manteve durante toda a sua vida a atitude de não comentar as interpretações dadas à sua Arte. É considerado por muitos, o artista mais fascinante e desconcertante do século XX.

Angela Weingärtner Becker

Wassily Kandinsky (1866-1944)

Nasce em Moscou, em família abastada e culta. Desde cedo entra em contato com a Arte, principalmente a música. (a música atonal –Shönberg- vai ser importante para ele porque foge do previsto, mostra o espanto, reelabora o código tradicional).

Em 1896 vai à Munique, centro cultural do norte da Europa. A cidade atrai artistas e cientistas. Embora a formação artística se dê em Munique, ele está imbuído da cultura russa. Traz consigo a imagem do vitral, as procissões ortodoxas russas, o colorido, as formas flutuantes. Ele dirá “As formas só têm sentido se expressarem energia”.

E assim faz um mergulho na cor como sendo um elemento quase místico. Ocasionalmente misturava areia em suas cores para trabalhar a textura. Fala muito na “impressão” como sendo um estímulo do mundo exterior que pode ser pintado. Rompe com a representação, com a solidez geométrica e abre para outros estados de consciência. Pinta o seu interior. Pretendeu que as suas formas fossem sutilmente harmonizadas para ressoar com a própria alma do observador.

É considerado o primeiro pintor ocidental a produzir uma tela abstrata. Diz: “não procurem buscar elementos do mundo, mergulhem nas cores para despertar estados de alma para além do visível”. Suas pinturas não querem representar nada. São harmonias de cores quentes e frias. Kandinsky conhece a teoria das cores a fundo. Ele busca a pureza das sensações primárias. É absolutamente musical. Quando perguntaram a ele o que significava uma determinada obra sua, ele responde “Isto se significa”.

Kandisnky será, em sua volta à Rússia, Ministro da Educação. Em 1923 Stalin dá o golpe e vai proibir este tipo de Arte. Quer implantar a arte que o povo entende. Kandisnky “fala” em suas pinturas, de liberdade não atrelada às regras dadas e éconsiderado lá como “arte burguesa decadente”.

Em 1921 deixa a Rússia e vai para Berlim. Desgraçados, a maioria dos pintores russos da época se suicida ou foge. Uma longa agonia da Arte acontece na Rússia. Graças a Paul Klee torna-se professor da Bauhaus, centro de vanguarda, escola de artes aplicadas, design e arquitetura de vanguarda. Kandinsky ensina vitral, tentando trazer para a Bauhaus a nova espiritualidade, a nova poética.

Em 1933 Hitler termina com a Bauhaus. O nazismo tem um projeto também estético (eliminação do imperfeito, do doentio). Para o Nacional Socialismo (nazismo) não pode haver o triunfo do indivíduo forte e criativo. Isto é mortal para Kandinsky, que ganha o rótulo de “cancro da bolchevização da Arte”.

Em 1937-com a famosa exposição de Arte Degenerada- estão lá presentes Paul Klee e Kandinsky. Ele foge novamente a Paris. Sua vida é uma história de rejeições e defenestrações. Mudou duas vezes de nacionalidade (alemã e francesa). Quando os nazistas invadiram a França, estava velho demais para nova mudança e cuidou de ficar na obscuridade. Tornou-se discreto e viveu tão delicadamente quanto suas pinturas.

Morre aos 78 anos aquele que fez uma das maiores revoluções de todos os tempos, comparado, no campo das artes, com a grandeza de Einstein e Freud. Junto a Piet Mondrian e Kasimir Malevich, Wassily Kandinsky faz parte do "trio sagrado" da abstração, sendo ele, o mais famoso.

Angela Weingärtner Becker