José Leonilson Bezerra Dias

José Leonilson

Neste ano de 2014, em Londres, na Tate Modern, eu me deparo (com muita surpresa) com a única obra de um brasileiro.  Reconheço de longe a autoria mas, confesso, nunca antes ela havia me tomado com a força que podia. Leonilson já me passara várias vezes pela frente. Eu sabia dos traços principais da obra, mas ele ainda não havia “me entregado seu coração”.

Seus trabalhos de modesta aparência e de modestas dimensões, não tinham chegado até mim, talvez por esses motivos mesmo. Quase não perdôo a minha falta. Um livro sobre ele, “São tantas as verdades-Leonilson” escrito por Lisette Lagnado, jazia perdido em minha casa.

Mas a hora havia chegado. Olhei para aquela obra de voal branco, costurada em outro pedaço levemente cinza. Havia palavras bordads tais como medo, amor, delicadeza, solidão. E eis que uma doçura imensa me cobriu.

Voilá mon coeur

A verdade é que a obra me catapultou para dentro de si. A cada pessoa que passava, ela farfalhava leve, delicada e, ao mesmo tempo, podia-se ver ali toda a condição humana. Forte e tênue.Tocava-me  a solidão, o medo, o afeto, a morte, a delicadeza, o amor, o tempo. Penso que jamais vou esquecer este impacto.

Cristo segurando um rapaz acidentado

 Palavras não dão conta de sua obra, é preciso vivenciá-la. Ele havia tornado pública o seu interior psíquico. E isto comove. Assim como van Gogh comove pela exposição do hospício onde foi tratado, da orelha decepada, dos trigais onde enlouqueceu de vez. Assim como Frida Kahlo comove pela pintura dos seus abortos, do seu acidente. Assim como Bispo do Rosário comove pelas canecas  enfileiradas, pelo seu manto feito para encontrar Deus.

 

Com suas experiências intimistas, ele fala baixinho com a gente. Apresenta-se em nível confessional. E é assim que se dá a epifania.  

Em 1991, descobre-se portador do HIV e a convivência com a doença domina por completo a sua obra. Em 1992 começam suas internações. Refina-se ainda mais o seu gesto artístico e a expressão da sua condição. A obra ganha espiritualidade. Agora apresenta-se com a visceralidade dos órgãos: pulmão, coração, esqueletos, crânios.

O lirismo, o romantismo, a delicadeza, o sofrimento permeiam a obra. Ele borda com uma delicadeza de asa de anjo. E a metáfora não é gratuita. De família católica nordestina, traz em sua obra a herança da terra, da literatura de cordel, do artesanato, das crenças populares, mas sobretudo da religião. Começa a usar materiais como flores, margaridas, copos de leite, primulas, lírios, todos símbolos cristãos da inocência e da morte.

Na medida que acontece a desmaterialização do seu corpo (vai perdendo peso e mostrando os inequívocos sinais da doença) esta mesma desmaterialização acontece na obra. Cada uma  – e não se trata de uma comparação gratuita- é, sim, um pedaço de sua alma. Tanto aprofunda a reflexão que torna banal a sua doença e assim ao alcance de todos, como diz Lisette Lagnado. Seus bordados dos últimos meses devem ser vistos como autorretratos, diz a autora.

A obra de Leonilson repele o discurso da palavra dicionarizada (de tão afetiva que é) além de ser cheia de alegorias e simbolismos. A palavra é rasa, insuficiente, vazia. Cada peça é uma folha de diário, disse alguém. Cada peça é um pedaço do seu coração exposto na parede.

Talvez pelo profundo envolvimento que por fim se nos impõe, talvez pela consciência de estarmos pisando em terreno sagrado, José Leonilson, com seus bordados, seus pingentes de restos de candelabro, suas camisas usadas como materiais, ele nos toma por inteiro. "Voilá mon coeur"  é o título de uma obra, “O que você desejar, o que você quiser, eu estou aqui, pronto para servi-lo” é o título de outra. O que dizer? O quê?

Angela Weingärtner Becker

Museu Nacional de Arte da Catalunha (MNAC)

Quem for a Barcelona não pode perder o Museu Nacional da Catalunha, situado no Palácio Nacional, na montanha de Montjuïc.

 Ao chegar – e chega-se facilmente de metrô- vemos um espaço majestoso, com águas que descem lá de cima, chegando por escadarias até  em baixo, onde realizam um balé mágico do qual é difícil arredar os olhos.

em frente ao Museu 

Fui num dia azul e agradável e fiquei hipnotizada pelas fontes, pelo verde, pelo sol, pelo barulho das águas generosas. Em cima, bem no alto, ergue-se o majestoso museu.  Pode-se chegar a ele com conforto, por escadas rolantes que docemente nos conduzem ao Palácio transformado no MNAC, que reúne mais de 1000 anos de arte catalã, desde o século X ao século XX. Lá dentro nos espera a grande beleza, o espetáculo da maior coleção de arte românica do mundo. E não só isso.

Todas as disciplinas artísticas estão ali representadas: escultura, pintura, desenhos, cartazes, numismática, fotografia, enfim. Nomes famosos como El Greco, Zurbarán, Velázquez, Fortuny, Gaudí, Casas, Torres-García, Julio González, Dalí y Picasso.  Também temos lá outros nomes de peso das artes universais.

Mas o que quero muito falar aqui é sobre a coleção de arte românica abrigada pelo museu. É algo tão bem cuidado, de uma organização tão brilhante que não temos como não ficar boquiabertos. Eu nunca tinha ouvido falar desta grandiosidade. A série de pinturas murais são únicas no mundo e a maior parte  encontradas na própria Catalunha, nas igrejas românicas dos Pirineus, no chamado vale do Boí, hoje patrimônio da Humanidade.

E o que é arte Românica? O nome “românico” é do século XIX e compreende a arte feita entre os séculos XI e XIII (que depois vai se tornar arte gótica). Significa “semelhante ao romano” principalmente no uso da abóbada sustentada por pilares que substituiram o telhado de madeira. Eram muitos os relatos de incêndios antes desta inovação.

 A maioria das obras românicas pintadas e esculpidas é coletiva e anônima. Não havia ainda a questão autoral. No máximo fica-se sabendo o nome do mestre da oficina. Erroneamente pensamos em arte românica como pobre e rústica. Mas é de  alta sofisticação. Basta dar uma volta neste museu para compreender isto. Caracteriza-se pela valorização do espírito, pela concepção de mundo dominada pelo deus proposto pelo cristianismo. Então o que se vê são altares, crucifixos, vasos, baldaquinos, predelas, cetros, capitéis, cristos pantocrator (aquele que abençoa) virgens, profetas, anjos, santos e a narração de milagres e passagens da bíblia.  

Era esta a arte feita na Itália, Alemanha, Espanha, Inglaterra quase exclusivamente pelas ordens religiosas (beneditinos, os mendicantes, dominicanos, franciscanos) e também pelos monges armados militares: os Templários e Hospitalários.

 No ano mil, a Europa contava que o mundo iria acabar. Houve bruscas mudanças na conduta individual, desespero e zelo religioso. Mas o mundo não acabou e a Europa se cobriu de igrejas. Grandes e sólidas, as fortalezas de Deus juntavam-se a mais de mil mosteiros no final do século XII. A mais famosa das catedrais foi a conhecida Catedral de Pisa e seu campanário, a Torre de Pisa, cuja construção iniciou-se em 1.174  e que se inclinou porque, com o passar do tempo, o terreno cedeu.

 O fato é que se exaltou a fé e expandiu-se a arte românica. Pesadas igrejas de pedra e tijolos se ergueram com solidez e força. Sombrias, com um mínimo de aberturas e grandes portas sólidas. A decoração das grossas paredes é o afresco, o mosaico e tapetes.  Eram nessas igrejas que os peregrinos, que percorriam grandes distâncias, se hospedavam. Os mais procurados se encontravam em Jerusalém, Roma e Santiago de Compostela. 

Neste período românico a arte tem finalidades didáticas. Era preciso difundir a religião mas sobretudo combater as heresias e as superstições. A imagem, portanto, tinha uma importância crucial. Os livros eram raros e destinados à nobreza e clero. O povo era analfabeto. Ilustrações sobre a criação do universo e do homem eram extraídas dos livros religiosos e afrescadas em conventos, mosteiros e igrejas. Esse tipo de pintura praticamente não possuía nada de profano. Caracterizava-se pela deformação, falta de movimento, colorismo (cores chapadas, meios-tons, jogos de luz e sombras) O misticismo é intenso. A apresentação é concisa, esquemática, abstrata. Em pouquíssimo espaço, muita informação. Nada poderia tirar a atenção do espectador sobre a  mensagem. 

 Não havia nenhuma intenção de imitar a realidade. A rígida escultura não observa a anatomia. Tudo é convencional e carregado de significações simbólicas. As figuras humanas são alongadas, os panejamentos estilizados, as madeixas desenhadas com rigor, os olhos parados. Toda a lógica vai em direção da arte bizantina.

Ao andar por entre as obras românicas do museu é excitante poder mergulhar na época e imaginar um copista num mosteiro (espanhol de preferência) debruçado sobre um livro, caprichando no ornamento da letra inicial de um texto religioso. Ao fundo ouve-se um coro de monges em louvores aos céus! Este copista certamente era analfabeto e não sabia o que escrevia. Mas seria capaz de pintar com maestria, copiar com desenvoltura, fazer trabalhos em marfim e ouro em urdiduras finamente lavradas. Aliás, eram os escritórios dos monastérios que preservavam a cultura.

Em minha frente desenhava-se o homem medieval: da manhã à noite fazia especulações metafísicas, discutia revelações divinas. O medo, a superstição a negação do corpo. Uma fé ingênua, mística e visionária lhe ditava o comportamento. Temia a natureza, pois ali estavam os instintos e as paixões, a tentação e o pecado. À noite deitava com o espanto do inferno eterno.

A arte românica reflete tudo isso e da maneira mais curiosa e encantadora que se possa imaginar. Não percam este museu. Vale a pena esta viagem.


Angela Weingärtner Becker